Photocredit by Autumn De Wilde

Passend zum neuen She & Him Album Volume 3 erscheint heute das Musikvideo I Could’ve Been Your Girl. Diesmal war es Deschanel persönlich, die den Clip konzeptionierte und Regie führte. Dabei habe sie Wert darauf gelegt, möglichst vielen ihrer Lieblingsmusicals Tribut zu zollen.

She & Him – I Could’ve Been Your Girl (Official… von domino

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Comics haben in Deutschland, historisch betrachtet, einen schweren Stand. Der Schmutz- und Schundkampf der Kaiserzeit und nicht zuletzt die Kulturpropaganda der NS-Zeit, die den Comic als rückständiges Medium ablehnte, sind noch bis in die Nachkriegszeit hinein zu spüren. Bis weit in die späten 1980er Jahre verteufelt, fand der Comic erst in den letzten 20 Jahren zu zaghaftem Ansehen. Besonders einige Graphic Novels, in den Feuilletons der überregionalen Zeitungen (FAZ, NZZ, SZ) mit Lob überschüttet, erfuhren eine erhebliche Aufwertung. Jedoch, so das Ergebnis der Forschungen Stephan Ditschkes, sind Comics noch weit davon entfernt, tatsächlich anerkannt zu werden, denn nicht der Comic an sich wird legitimiert, sondern nur die Anomalie unter den Comics. Man könnte die Behauptung aufstellen, dass sich die Definitionsmacht vom Lehrer (die Träger der Schmutz- und Schundkampagnen) zum Feuilletonisten verschoben hat. Aus diesem Grund muss ein Comic, der im Rahmen der Süddeutschen Zeitung Bibliothek herausgegeben wird, kritisch betrachtet werden. Sammlungen wie diese erinnern nur zu gut an die Romanbibliotheken der Kaiserzeit, die ein Versuch waren, den Kolportageheften Einhalt zu gebieten und dem Rezipienten vorzuschreiben, was er zu lesen habe.

Diese Umstände ändern jedoch wenig daran, dass es sich bei Marc-Antoine Mathieus Gott höchstselbst um einen äußerst gelungenen Vertreter des Mediums handelt. Während einer Volkszählung (wo auch sonst?) gibt sich ein alter Mann mit Rauschebart als Gott zu erkennen. Zuerst verhöhnt, anschließend eingehend geprüft und nach vollbrachten, physikalischen Wundern schließlich medial ausgeschlachtet, verklagen immer mehr enttäuschte Menschen den Allmächtigen. Denn trotz seiner Ankunft auf der Erde ändert sich nichts. Die Menschen führen weiterhin Kriege, es herrscht Armut usw. usf.

Mathieu erzählt seine Geschichte aus einer interessanten Perspektive: Er drängt den Leser in die Rolle des Konsumierenden – der er in letzter Konsequenz auch ist, denn er ist es, der den Comic in der Hand hält. In Form medialer Ausschnitte – als Comic, als Film, als Dokumentation etc. – folgt der Rezipient nun dem medialen Umgang mit Gott. So nimmt die Geschichte die Form einer Dokumentation an, was hervorragend funktioniert. Immer wieder bricht Mathieu Szenen auf, um zu zeigen, dass es sich beim soeben Gelesenen/Gezeigten nur um den Teilausschnitt eines Mediums handelt, der wiederum die Geschichte von Gott erzählt. Gott selbst, so erfährt man, wird zum Spielball eines Medienapparats, erhält PR-Beratung, es werden Comics über ihn verlegt („Großartig. Jetzt werde ich schon auf eine Comicfigur reduziert!“ S. 65, Panel 5), Gott wird Mittelpunkt eines Theaterstücks, er schreibt Bücher, was dazu führt, dass Buchhandlungen einzig seine Werke führen („Memoiren – Auszüge, Offenbarungen, Was ist glaube, Ist der Mensch gut?, Der Prozess, Mein Leben – Mein Werk, Würfeln“ S. 80 Panel 4), es wird ein Vergnügungspark errichtet, der den Menschen lediglich Erlösung vom Materiellen (also vom Geld) bietet etc..

Besonders sticht jedoch eine so einfache wie geniale Szene hervor: Auf einigen Seiten erklärt der Raumpfleger Hermann Bilge den freien Willen und den Zusammenhang mit der Kausalität. So erläutert Gott höchstselbst immer wieder und mit wenigen Worten, die wichtigsten Fragen zu Gott und dem Glauben, dem Sein und dem Universum. So gelingt es dem vor allem durch Kafka geprägten Mathieu mit einem Comic, ähnliche philosophievermittelnde Wirkung zu erzielen wie Jostein Gaarder in seinen Büchern, wenn auch relativ oberflächlich. Bezogen auf das recht kompakte Medium ist diese Leistung jedoch mehr als nur bemerkenswert.

Für die theoretische Comicforschung hat Gott höchstselbst ebenfalls eine Menge zu bieten. Der erzählerische Kniff, nur von Gott, aber nicht über Gott zu berichten, gelangt in den Momenten zur Perfektion, in denen die Erzählung aufgebrochen wird, der Protagonist eines Theaterstücks über Gott seiner Wut über seinem Comicalterego Luft verschafft oder sich im Kapitel Sensation der Zeichenstil radikal wandelt, bis sich die Zeichnungen vom Leser entfernen und deutlich wird, dass es sich in diesem Kapitel um einen Comic im Comic handelt. Und dann gibt es da noch die Stelle, in der sich plötzlich die Panelleserichtung ändert, aus mehreren Panels eine Denkblase entsteht.

Gott höchstselbst.

Süddeutsche Zeitung Bibliothek (Original bei Reprodukt).

Gebunden, 121 Seiten. Ca. 15 € [D]

ISBN 978-3-86497-002-3

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Wir erinnern uns: Im Februar 2011 veröffentlichte Caro Emerald ihr erstes Album Deleted Scenes From The Cutting Room Floor. Songs im Stil der 1940er und 50er Jahre, mit einer Prise Hollywood und – was ihr Album aus der Masse hervorhob – modern produzierten und dennoch jazzig. Modernes Easy Listening für den Discoeinsatz mit hohem Wiedererkennungswert. The Shocking Miss Emerald geht den einst eingeschlagenen Weg konsequent weiter. Warum auch ändern, was zum Erfolg führte? Der Sound schöpft nun jedoch nicht mehr aus dem Hollywoodfundus, sondern bedient sich beim französischen Jazz. Aufgenommen in den Abbey-Road-Studios, was erwähnenswert ist, denn der unverkennbare Sound des Studios 2 prägt das Album enorm. Man spürt es einfach überall, besonders profitieren natürlich die Streicherarrangements, die geschrieben und arrangiert übrigens von Jules Buckley, der sonst Jonathan Jeremiah unterstützt. Was sich Emeralds Produzenten und Songwriter für ihren niederländischen Schützling ausgedacht haben ist interessant, überall gibt es etwas zu entdecken. Sei es eine Oboe, Andrew-Sisters-Gesang, ein Dixieland-Bläserensemble oder schöne instrumentale Zwischenspiele. Positiv fällt auch die Abkehr vom leichtfüßigen Sound des Vorgängers auf, von dem auf der dazugehörigen Single allerdings wenig zu spüren ist. Zwar ist Caro Emerald weit davon entfernt, eine düstere Platte aufzunehmen, doch ist eine Abkehr vom Happy-Sound deutlich spürbar. Alles in allem ist The Shocking Miss Emerald ein Schritt in die richtige Richtung, sollte keinen Fan verschrecken und überrascht mit angenehme Melodien, einigen netten Ideen, die allerdings auch nicht weltbewegend ausfallen und ist folglich der ideale Soundtrack für die 50er Jahre Mottoparty. Was allerdings so “Shocking” an Miss Emerald ist, weiß sie wohl selbst nicht so genau …

Erschienen bei Polydor / Universal / Grand Mono.

Subjektiv:

 ★★★★☆ 

 ★★★☆☆ 

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Purson – eine weitere Band mit hübscher Frontfrau und dämonischen Texten – veröffentlichen mit The Circle And The Blue Door ein Debüt, das, ich muss es schamlos zugeben, nicht sofort zündete. Irgendwie fühlte sich während der ersten Hördurchläufe alles richtig und doch falsch an. Melotron, pumpende Bässe, psychedelisches Geschwurbel –alle Zutaten zugegen und doch … Und doch! Nach einigen Hördurchläufen zündete es plötzlich. Weil die Jungs um Rosalie “Rosie” Cunningham alles genau richtig machen. Man nehme Spiderwood Farm. Eingängige Melodie, röhrende Gitarre, verspieltes 60s Drumming, unheimliches Geflüster (durch den Flanger gedreht), eine talentierte Sängerin. Texte, die Einhorn- und Drachenfrei sind, auch der typische Hokus-Pokus bleibt uns erspart. Was das Album aber wirklich von anderen Okkultveröffentlichungen abhebt ist sein Sound, der aus einer Zeit zu stammen scheint, als die verschiedenen Musikrichtungen gerade dabei waren, sich von Pop, Jazz und Rock zu Hardrock und vom Hardrock dann zum Progrock zu entwickeln. Als noch experimentiert wurde, ohne bierernst eine Linie zu verfolgen. Gemacht wurde, was gefällt; eine Zeit, die m. E. einige der besten Alben und Bands der Musikgeschichte hervorbrachte. Cunningham steht in dieser Tradition, fühlt sich in ihrer Nische wohl und verzaubert ihre Hörer mit psychedelisch-progressivem Wahnsinn.

Erschienen bei Rise Above Records.

Subjektiv:

 ★★★★☆ 

 ★★★★☆ 

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Als vor 2 Jahren das Ich von Liebe Minou erschien, waren wir fest davon überzeugt, dass die sympathische Sängerin auf jeden Fall einen größeren Hit haben wird. Ihre verspielte, durch und durch positive Welt war prädestiniert für den Durchbruch, ähnlich einer Annett Louisan zu Bohème-Zeiten (nur mit sehr viel besseren, weniger lolitahaften Songs). Mit Nur die guten Tasten hat Liebe Minou nun aber ein Album vorgelegt, das aufhorchen lässt. Ähnlich ihrer Kollegin entwickelt sich ihr Sound, die Stärken des Debüts sind ausgebaut worden, die Niedlichkeit ist etwas gewichen. Man wirkt weniger kindlich, dafür fraulicher, ohne aber die Minou’sche Leichtigkeit zu vernachlässigen. Das von Achille Fonkam maßgeschneiderte Jazz-Soul-Chansonpop-Rüschenkleid wurde mit kosmopolitischen Stickereien versehen. Französischer Chanson (Seit du gesagt hast, Kleines Licht), fein verwoben mit russischer Folklore (Komm/Reprise) oder einem Walzer (Das Walzchen), auch seidene Flamencofäden sind zu finden. Neben den klanglichen Veränderungen hat aber auch Minous Stimme eine Metamorphose durchlaufen: Sie ist gereift, das etwas gewöhnungsbedürftige, aber sympathische-eigene Timbre fällt weniger nasal aus und fügt sich sehr gut ins Gesamtbild ein. Eine kleine Veränderung mit großer Wirkung: besonders auf Ja! entwickelt sich dadurch ein großes, warm-groovendes Klangbild. In dieser Form noch vor ein paar Jahren undenkbar. Einer der vielen kleinen Momente des Albums, bei dem man spürt, dass der gewählte Künstlername in naher Zukunft hinderlich sein könnte – man denke an die Beach Boys, denen, ob ihres Namens, bis heute der Surf-Sound ihrer ersten LPs anhaftet. Liebe Minou hat mit Nur die guten Tasten ihren Wirkungskreis erweitert, führt uns weg von Kekskonzerten und der etwas erdrückenden Lieblichkeit ihres Debüts in eine Welt, irgendwo zwischen einem entpolitisierten Mellow Mark (Metropolis), einem züchtigen Serge Gainsbourg (Vu de l’extérieur) und, immer noch, der Fabelhaften Welt der Amelie. Ein frühlingshaftes Album für die Dauerrotation.

Erschienen bei Sony Music / Columbia / Fonkam Music.

Subjektiv:

 ★★★★☆ 

 ★★★☆☆ 

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Eigentlich stehen wir ja hauptsächlich für Chanson und Jazz, in den letzten Monaten auch zunehmend für Retro-Rock und Doom-Metal. Festivalberichte sind hier eher selten zu finden, was an meiner persönlichen Abneigung gegenüber Matsch und Zelten liegt. Nun wurde ich gebeten, auf das Roskilde-Festival aufmerksam zu machen. Dänemark als Land sollte man gesehen haben (ein Trip nach Kopenhagen lohnt sich für Mode-, und Kunstinteressierte immer, auch für Musikfans hat die Stadt einiges zu bieten, wie ich vorletztes Jahr feststellen durfte) und warum sollte man so einen Trip nicht mit dem Roskilde-Festival verbinden?

Für die Stammleser unserer Seite ist das seit 1971 stattfindende Festival vor allem dank folgender Bands interessant:

- Calexico

- Dead Can Dance

- Kottarashky & The Rain Dogs

- Kraftwerk

- The Lumineers

- Queens Of The Stone Age

- Sigur Rós

- The Sword

- Uncle Acid & The Deadbeats

- Unknown Mortal Orchestra

- Jonathan Wilson.

Alles Wissenswerte über das diesjährige Festival findet sich im beigefügten, interaktiven Video.

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Sponsored by Roskilde Festival.

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Larkin Poe sind nach nur 8 Monaten wieder in der Blues Garage in Isernhagen zu Gast. Bei jeder anderen Band wäre da wenig Neues zu erwarten, besonders im Hinblick auf die Setlist. Doch Rebecca und Megan Lovell sind unerbittliche Songwriterinnen, die immer wieder neues Material aufnehmen (bisher über 40 Songs in knapp 3 Jahren) und in Windeseile EPs veröffentlichen, eine Geschwindigkeit, die beinahe Acid-Mothers-Temple-Niveau erreicht und von Fans honoriert wird. Doch anstatt sich auf Werbung für die neuen Kollaborationsalben The Sound Of The Ocean Sound (zusammen mit Thom Hell aufgenommen, der manchen vielleicht als Duettpartner der If-A-Song-Could-Get-Me-You-Sängerin Marit Larsen bekannt ist) und Killing-Time-EP (zusammen mit Blair Dunlop und noch nicht offiziell veröffentlich) zu konzentrieren, liegt die Grundlage der runderneuerten Setlist auf gänzlich anderem, noch neuerem Material. Songs, die als Grundlage für ihr erstes ‚richtiges‘ Album geplant sind. Somit hören wir an diesem Abend lediglich sieben bekannte Stücke, darunter We Intertwine, Long Hard Fall, The Principle Of Silver Lining (alle von der Spring EP), Play On (Thick As Thieves EP), Killing Time (Killing Time EP), das großartige Trance (Winter EP) sowie das Traditional Wade In The Water, das sich in der Larkin-Poe-Fassung deutlich von anderen Interpretationen abhebt. Kraftvoll und ursprünglich illustriert es Georgia, die Heimat der Schwestern. Leider wurde auf die Stücke By The Pier, Wait For Me, Burglary oder Fairbanks, Alaska verzichtet, die immer wieder bezaubern. Konservative Hörer könnten mit der Set-List folglich ihre Probleme gehabt haben und trotzdem ist es das Wagnis, auf neues Material zu setzen, das begeistert. Auszutesten, ob das neue Material dem Publikum gefällt oder nicht, sich dem Urteil der Hörerschaft zu stellen. Welche andere Band traut sich schon, ein Set zu spielen, dessen Songs zur Hälfte unbekannt sind? Denn insbesondere das zweite Set bestand überwiegend aus eben solchen. Darunter die vier großartigen Songs Banks Of Allatoona (mit Sample!), Try To Trust Me, Goldilocks und Jailbreak, deren Veröffentlichung man von unserer Seite aus entgegenfiebert. Insbesondere Banks Of Allatoona und Goldilocks erinnern an Dr. John, den Nighttripper (jenen kauzigen alten Voodoomagier, der zusammen mit Dan Auerbach einen zweiten Frühling erlebt), und schlagen eine deutlich andere Richtung ein, als man sie bisher von Larkin Poe gewohnt ist. Bluesiger Folk-Rock, der die Mandoline etwas in den Hintergrund rückt und Rebecca Lovells neu entdeckte Liebe zur E-Gitarre betont.

Alles in allem bietet die Spring-Tour eine solide Show. Besonders im zweiten Set gibt es einige Highlights zu entdecken und man hat die Chance, eine grundsympathische Band zu erleben, die sich im letzten halben Jahr enorm entwickelt hat.

Bandseite Larkin Poe.

Weitere Deutschlandtermine:

15. April 2013 – München

16. April 2013 – Aschaffenburg

Photocredit by Julian Auringer, diekopfhoerer.eu

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Carla Bruni gehört, wenn man über Chansons schreibt, wohl oder übel zu den Künstlerinnen, die der Vollständigkeit halber besprochen werden müssen. Eines vorweg: Am schönsten war die Bruni auf ihrem Debütalbum Qualqu’un m’a dit, das der hiesige Redakteur bei Veröffentlichung monatelang nicht mehr aus dem CD Player bekam. 2002, das war die Zeit vor Sarkozy, entstand eine Handvoll leichtfüßiger Songs. Nichts Großes, ohne irgendwelche Ambitionen. Konzerte traute man sich noch nicht zu und die Vermarktung blieb trotz des Erfolgs im Rahmen. Bruni hatte ein paar Songs aufgenommen, nicht mehr und nicht weniger. Das nachhaltigste Stück indes stammte von Serge Gainsbourg und war eine sympathische Coverversion. Doch mit steigendem Erfolg wurden die Alben künstlerisch immer unbedeutender, Brunis Medienpräsenz hingegen, dank Heirat mit dem damaligen französischen Präsidenten, immer gigantischer. Musik blieb in dieser Zeit aus, lediglich Comme si de rien n’était war eine Ausnahme.

Little French Songs stellt nun die Rückkehr ins (musikalische) Rampenlicht dar. Und da stößt es dann schon bitter auf, wenn eine Präsidentengattin die Politik ihres Mannes musikalisch weiterzuführen versucht. Einige Metaphern seien Verweise auf Francois Hollande munkelt man, wir erfahren von der Atombombe Sarkozy und da fragt man sich: „Will ich das alles wissen?“. Sicher, politischer Spott war immer schon Teil des französischen Chansons, aber bei Bruni wirkt alles so bemüht verkrampft, wie das erstarrte Lächeln einer Botoxbehandelten. Die Jugendlichkeit des Erstlings ist in Little French Songs komplett gewichen, musikalisch nur noch in den Stücken Pas Une Dame, Keith et Anita und La Valse Posthume zu spüren. Lediglich das auf Italienisch gesungene Dolce Francia ist für eine Überraschung gut, die darin besteht, den Hörer zu überzeugen, dass Carla Bruni ihre Muttersprache viel besser zu Gesicht steht, als die ihrer Wahlheimat.

Little French Songs ist trotz all der Kritik ein durchaus mittelmäßiges Album geworden, das ihren Fans gefallen wird. Denn wer nach dem reichlich misslungenen No Promises immer noch sehnsüchtig auf neue Musik wartet, hat sich mit der Berechenbarkeit Carla Brunis bereits abgefunden . Wer hingegen musikalische Überraschungen erwartet, ist bei Brigitte, La Grande Sophie, Coralie Clément, Agnes Biehl oder Marianne Dissard besser aufgehoben. (Anm. der Redaktion: Erboste Fans werden nun bestimmt anmerken, dass unser Rezensent nur eifersüchtig auf Brunis Ehemann ist – dementieren wollen wir das jetzt nicht)

Subjektiv:

 ★★★☆☆ 

 ★★★☆☆ 

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Der Tango Nuevo, wie Piazzolla ihn spielte, gehört vielleicht zu den schönsten musikalischen Ausprägungen des 20. Jahrhunderts. Eine Verschmelzung aus Neuer klassischer Musik, Jazz und Tango die es europäischen Hörern ermöglichte, Zugang zur argentinischen Musik zu finden, die in ihrer traditionellen Spielart doch arg gewöhnungsbedürftig ist. Leider verweilte der Tango aber in dieser Entwicklung. Zahlreiche Ensembles versuchen sich am Nuevo Tango, mit wechselndem künstlerischem Erfolg. Gotan Project wagte den Schritt hin zu einer Neuinterpretation des Genres und eine Zeitlang auch absolut großartig. Doch etwas fehlte. Bajofondo wagen den nächsten Schritt, mischen Nuevo Tango mit Tango Nuevo, hinzu kommen Einflüsse aus Latinrock, Disco und anderen aktuellen musikalischen Richtungen. Dabei ist es bei jedem Hördurchgang von Presente eine Freude, die einzelnen Einflüsse zu entschlüsseln. Tango ist hier wieder tanzbar, emotional und doch künstlerisch anspruchsvoll. Man beweist, dass Discomusik keineswegs einfältig sein muss, sondern durchaus künstlerischen Mehrwehrt bieten kann. Presente hat sich innerhalb kürzester Zeit zu einem jener Alben gemausert, wie man in seiner Sammlung nicht mehr missen möchte. Selten, wirklich selten, wird man so gut und intelligent unterhalten. Bajofondo ist Tango für das 21. Jahrhundert.

Erschienen bei Sony Classical.

Subjektiv:

 ★★★★★ 

 ★★★★★ 

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